Self-Portrait 1901, das einige Monate nach dem Selbstmord von Carlos Casagemas erscheint, gibt einen bemerkenswerten Einblick in die tiefe Depression, unter der der junge Künstler nach dem Tod seines Freundes litt, und erinnert an Selbstporträts eines anderen großen, aber auch unruhigen Künstlers, Vincent van Gog. Casagemas nahm sich im Februar 1901 in einem Pariser Café das Leben, während Picasso in Spanien unterwegs war, und der Verlust hatte einen enormen Einfluss auf den Künstler, der sagte, dass er nach dem Tod von Casagemas begann, in Blau zu malen. In Self-Portrait 1901, das weniger als ein Jahr nach den tragischen Ereignissen gemalt wurde, die einen solchen Einfluss auf den jungen, beeindruckbaren Picasso hatten, lässt er die Welt seinen eigenen Schmerz und seine Einsamkeit sehen, während er versucht, mit seinem Verlust fertig zu werden. Der leicht gebürstete blaue Hintergrund und der violette Mantel zeigen sowohl die physische Kälte des harten Pariser Winters als auch die emotionale Distanzierung von seiner Umgebung. Sein Mantel mit hohem Kragen ist mit nichts anderem als breiten lila Strichen mit schwarzen Umrissen bemalt, um die Arme und Verschlüsse seiner Oberbekleidung darzustellen.
Es ist fast träge gemalt, wobei Bereiche der Hintergrundfarbe durchscheinen, in denen er so wenig Farbe wie nötig verwendet hat, als ob er diesen Teil von sich selbst für unwichtig gehalten hätte und es sicherlich nicht wert wäre, mit jedem Detailgrad gemalt zu werden. Der Hintergrund ist auf ähnliche Weise gemalt, wobei Töne der Grundfarbe zu den Rändern des Gemäldes hin durchscheinen , was den Eindruck erweckt, dass der Hintergrund, wie der Mantel, von geringer Bedeutung ist und lediglich einen Rahmen für seine Trauer darstellt. Das Blau des Hintergrunds könnte ebenso gut die Nacht bedeuten, wie es seine Stimmung zeigt und die Vorstellung erweckt, dass der junge Picasso vor Verzweiflung nicht schlafen kann und stattdessen um Mitternacht durch die frostigen Straßen von Paris wandert. Alle ausdrucksstarken Künstler haben sich ebenso mit ihren negativen Emotionen auseinandergesetzt wie mit ihren positiven.
Im Gegensatz zu dem fast träge gerenderten Hintergrund ist das Gesicht des Künstlers, das im Mittelpunkt des Stücks steht, sehr detailliert und zeigt einen hageren, blassen und ungepflegten Mann, der viel älter als seine zwanzig Jahre erscheint. Die Blässe seiner Vollendung hebt sich von den düsteren und einfachen Blautönen des Hintergrunds und der Kleidung ab, als ob Picasso sein Publikum brauchte, um seinen Schmerz ohne Ablenkung zu sehen. Seine Wangenknochen und Augenhöhlen sind eingefallen, was den jungen Mann fast leichenhaft erscheinen lässt, wobei das Blau der Schatten seine ausgemergelte Erscheinung betont, während seine Augen den Betrachter mit einer emotionalen Intensität anstarren, die seine Angst fast flehend zum Ausdruck bringt Benehmen. Self-Portrait 1901 ist ein Einblick in die Seele eines jungen und gequälten Picasso.
Die Schönheit dieses Gemäldes liegt jedoch nicht in der inhaltlichen Ausführung, sondern in der Ehrlichkeit. Es versucht nicht, den Schmerz und das Leiden, mit dem der junge Künstler fertig zu werden versucht, zu leugnen, noch versucht es, die Situation, in der sich Picasso befindet, auf die leichte Schulter zu nehmen; kalt, verletzt und allein in einem trostlosen Pariser Winter. Stattdessen bleibt es dem Mann treu, und die Traurigkeit und Einsamkeit, die in seinem Herzen sind, werden auf die Leinwand gebracht, damit die Welt sie sehen kann. Er nutzte dieselben Emotionen, um einige andere ikonische Gemälde in seiner Karriere zu schaffen, darunter Guernica , die sich auf die Schrecken des Krieges beziehen, sowie Weeping Woman, der sich auf die Tragödie des Verlusts des eigenen Kindes konzentriert. Der Künstler war sehr stark Teil dieser Bewegung hin zu mehr Ausdruck und Emotion in der Kunst, etwas, das vielleicht Mitte des 19. Jahrhunderts mit den französischen Impressionisten begonnen hatte, bevor es sich mit Künstlern wie Munch, Kirchner und vielen anderen immer weiter entwickelte. Dieser Ansatz erfreut sich bis heute großer Beliebtheit, wo einige der eher gelegentlichen Kunstfans traditionelle Kunst im Vergleich dazu als altbacken betrachten.
Dieses Gemälde befindet sich im Musée National Picasso in Paris. Obwohl er Spanier war, war es Frankreich, in dem er viele seiner besten Arbeiten produzierte, und daher ist es völlig angemessen, dass viele seiner besten Arbeiten hier bleiben. Während viele seiner bekanntesten Werke in vielen der größten Kunstgalerien und Museen der Welt verteilt sind, ist es erfreulich, eine große Anzahl von Kunstwerken unter einem Dach versammelt zu finden, insbesondere an einem so prestigeträchtigen Ort. Olga in einem Sessel und Massaker in Koreasind zwei der Gegenstände, die Sie sicherlich wiedererkennen würden, obwohl ihre Gesamtsammlung mehr als 5.000 verschiedene Kunstwerke sowie eine große Auswahl an anderen Dokumenten aus seinem Leben, wie Zeitungsausschnitte, Briefe und mehr, umfasst. Für Biografen erweist sich dies als äußerst nützlich, und das meiste davon wurde tatsächlich von der Familie des Künstlers nach seinem Tod gespendet. In dieser Hinsicht ähnelt es vielleicht ein wenig dem Musee Rodin und bildet einen großartigen Ausgangspunkt für diejenigen, die den Künstler eingehend studieren möchten.
Picasso war ein gutaussehender Mann mit einer charismatischen Persönlichkeit, die zu seinem eigenen künstlerischen Stil passte. Im Laufe seiner Karriere fertigte er eine große Anzahl von Selbstporträts an, die sein Leben visuell dokumentieren. Da sich sein Stil im Laufe der Zeit veränderte, änderten sich auch seine Selbstporträts. Auf dieser Website sind viele andere Varianten sowie Porträts von anderen enthalten. Sein Gesichtsausdruck in diesem Porträt von 1901 ist ziemlich ernst und schaut den Betrachter auf ehrliche Weise direkt an, was uns hilft, uns direkt mit ihm zu verbinden. Diese Fülle an Blautönen bildete über einen Zeitraum von mehreren Jahren ein beständiges Werk, bevor er sich wieder anderen Arbeiten zuwandte. Die meisten denken an seine einzeiligen Zeichnungenoder seine kubistischen Szenen, wenn man diesen Künstler betrachtet, aber seine Blaue Periode war auch eine sehr wichtige Etappe in seiner Entwicklung. Expressionistische Künstler suchten oft nach innen, um sich inspirieren zu lassen, und so waren Selbstporträts oft ein natürliches Ergebnis davon. Picasso war jemand, der auf diese Ideen zurückgriff, aber auch auf viele andere Arten arbeiten wollte, um dazu beizutragen, sein Werk so weit wie möglich zu erweitern, während er dennoch ein hohes Leistungsniveau beibehielt.