Principalement développé et adopté par Pablo Picasso, ce style a eu un impact sur les artistes pendant plus d'un siècle. Afin d'apprécier cette influence, il est important d'examiner les principes du cubisme ainsi que la relation entre ce mouvement et Picasso lui-même. Nous aborderons ces deux concepts tout en examinant une poignée d'autres styles qui sont directement liés à ce style d'art unique. Commençons par examiner les techniques spécifiques derrière le cubisme dans son ensemble avant de poursuivre.
Le cubisme défini : redéfinir l'art par rapport à la nature
Comme son nom l'indique, le cubisme implique l'utilisation de formes et de motifs géométriques pour représenter une forme spécifique. Cependant, nous devons souligner que les cubes n'étaient qu'une partie de ce concept. Presque n'importe quel angle géométrique peut être utilisé pour obtenir le résultat souhaité. On peut affirmer que le cubisme était une réponse directe aux styles plutôt traditionalistes associés à la seconde moitié du XIXe siècle (et en particulier à certaines des œuvres associées aux peintres victoriens). Comme l'explique Sabine Rewald du Metropolitan Museum of Art (1) :
"Les peintres cubistes ont rejeté le concept hérité selon lequel l'art devrait copier la nature ou adopter les techniques traditionnelles de perspective, de modelage et de raccourci." Autrement dit, ils espéraient embrasser littéralement l'aspect bidimensionnel de la toile. Cela a été fait en décomposant une image en ses composants géométriques; presque comme s'il réduisait son essence à une série de lignes et d'angles.
Afin d'atteindre plus de profondeur, de nombreux artistes tels que Picasso peindraient ces cubes et ces formes à partir de multiples perspectives. Cela attirerait l'œil du spectateur sur des parties spécifiques et, espérons-le, influencerait son impression de la peinture dans son ensemble.
Une brève histoire du mouvement cubiste
De nombreux érudits contemporains ont divisé le mouvement cubiste en deux périodes distinctes. Ceux-ci sont connus sous le nom de Early Cubist (1907-1908) et High Cubism (1909-1914). Comme Pablo Picasso est souvent considéré comme le père du cubisme, il va de soi que ses peintures étaient présentes dès le début. La majorité des historiens pensent que Les Demoiselles d'Avignon (1907) représentent la première entreprise célèbre dans ce domaine (souvent appelé "Proto Cubisme").
D'autres œuvres de Picasso à cette époque, telles que Réservoir à Horta de Ebro, reflètent clairement le style cubiste. En 1911, de nombreux contemporains ont déclaré que Picasso était le fondateur officiel du cubisme. Cependant, cela a depuis été contesté. Il y en a d'autres qui ont exercé une influence tout aussi importante au cours de cette période de formation. Une poignée comprend:
- Alexandre Archipenko
- Ossip Zadkine
- Diego Rivera
- Marie Blanchard
Il faut encore souligner que Picasso est néanmoins considéré comme la figure pionnière de cette période formatrice. Il y a un débat considérable sur les facteurs qui séparent la période cubiste primitive de la période du haut cubisme. Certains prétendent que la reconnaissance publique a joué un rôle important. Il y a en effet une certaine crédibilité à cela, car les masses ont été exposées pour la première fois au cubisme lorsque les œuvres ont été exposées dans les salons de Paris.
Deux exemples notables ici sont le Salon des Indépendants et le Salon d'Automne lorsque des peintures ont été exposées au printemps 1911. Il n'est pas non plus surprenant que le cubisme ait initialement perplexe ses spectateurs. Un critique contemporain de l'époque a noté (2): « Que signifient-ils ? Les responsables en ont-ils perdu la raison ? Est-ce de l'art ou de la folie ? Qui sait ? Indépendamment de la confusion, il était déjà clair que le cubisme figurerait comme une force motrice de premier plan derrière de nombreux artistes de l'époque.
Cela dit, l'émergence du haut cubisme (à partir de 1909) représente une transformation significative. Alors que la sensibilisation du public a partiellement défini ce changement de paradigme, la différence majeure en ce qui concerne les approches artistiques comprend le départ des images discernables vers celles qui étaient beaucoup plus abstraites dans leur nature. Cela était parfois appelé de manière informelle la période «hermétique» du cubisme. Un exemple célèbre produit par Picasso à cette époque était Trois musiciens.
L'émergence du cubisme tardif
Le cubisme tardif est généralement défini comme la période entre 1914 et 1921. La plupart estiment que l'approche abstraite a gagné en prévalence à cette époque. De grands plans qui se chevauchent et une apparence globale "plate" différaient considérablement des rendus bidimensionnels ombrés qui ont d'abord été adoptés par Picasso. Une autre tendance intéressante (bien que légèrement inquiétante) à cette époque a été l'émergence de ce que l'on appelle maintenant le cubisme de cristal.
On a dit que c'était une réaction psychologique directe aux horreurs de la Première Guerre mondiale ainsi qu'une propension à refléter une approche plus conservatrice du mouvement cubiste. Certains ont en fait affirmé que le mouvement était effectivement mort à cette époque. Cependant, les œuvres de Picasso ainsi que d'autres artistes tels que Stuart Davis et Ben Nicholson semblaient contredire ce point. C'est néanmoins un fait que le cubisme tardif semble avoir pris fin vers 1924, bien qu'il y ait eu des tentatives ultérieures (à l'occasion) pour faire revivre la forme.
Les oeuvres de Picasso à l'époque cubiste
L'un des aspects les plus intéressants de Pablo Picasso en tant que peintre est le fait qu'il a embrassé des styles très éclectiques au cours de sa carrière longue et variée. Il a d'abord commencé à peindre avec une approche cubiste immédiatement après des années influencées par les scènes africaines . Comme mentionné précédemment, Les Demoiselles d'Avignon ont été la première manifestation d'une approche aussi novatrice.
Cela a été considéré comme du "cubisme analytique", car il a décomposé une image en ses composants de base, puis les a réassemblés sur la base d'interprétations angulaires. Sphères, cylindres, rectangles et cubes ont tous été impliqués au cours de ce processus. C'est aussi la principale raison pour laquelle ses premières interprétations cubistes reflétaient encore une bonne dose de réalisme. Ma Jolie (1911) est une autre illustration de cette pratique qui prend vie.
Un autre aspect intéressant de Picasso à cette époque est qu'il avait tendance à moins se concentrer sur la forme humaine par rapport à ses œuvres antérieures. Au contraire, il peint des objets communs comme une pipe ou une bouteille et les transforme en ce qu'on ne peut qu'appeler des images vraiment uniques. Ceci est également considéré comme l'apogée de sa période cubiste. Une poignée d'exemples remarquables qui entrent dans cette catégorie comprennent:
- Guitariste (1910-1911)
- Nature morte à la bouteille de rhum (1911)
- Violon (1911-1912)
- L'anis du mono (1916)
Celles-ci sont toutes en contraste direct avec les œuvres antérieures lorsqu'il se concentrait fortement sur la nature organique de la forme humaine. Des peintures telles que Femme au pot de moutarde (1910) et Jeune fille à la mandoline (1910) illustrent une nette rupture. En comparaison avec ses œuvres ultérieures, il est assez clair d'apprécier les différences. La seule exception quelque peu notable peut être vue à Guernica. Bien qu'il y ait des influences évidentes d'autres styles, il ne fait aucun doute que le cubisme peut être vu dans certaines parties de la peinture (en particulier sur le côté droit de l'image).
Mouvements associés influencés ou liés au cubisme
Beaucoup pensent que le cubisme était le facteur le plus influent dans le monde artistique du début du XXe siècle et au-delà. L'exemple peut-être le plus intéressant (et le plus connu) peut être vu dans les angles audacieux et les lignes saisissantes adoptées par les créations Art Déco. Cela va de soi, car le mouvement Art Déco a suivi immédiatement (et dans certains sens simultanément avec) le mouvement cubiste. Une poignée d'autres styles qui peuvent directement retracer leurs racines dans le cubisme incluent:
- Futurisme
- Constructivisme
- Le style
- Suprématisme
Par exemple, le futurisme a adopté une approche plus «industrielle» de l'art; mettant en évidence des émotions telles que la vitesse et la jeunesse dans son style. L'hiéroglyphe dynamique du Bal Tabarin de Gino Severini est l'une des meilleures représentations de cette tendance. S'il ne fait aucun doute que le futurisme est un mouvement à part entière, peu de gens peuvent affirmer que le cubisme n'a pas joué un rôle important. L'ombrage bidimensionnel, l'utilisation de figures géométriques et une saveur abstraite servent tous à définir partiellement le futurisme dans son ensemble.
Dans le même ordre d'idées, le constructivisme peut également revendiquer une histoire influencée par le cubisme. Bien que principalement associée à des artistes russes tels que Vladimir Tatlin, ses lignes audacieuses et ses formes clairement fortes sont également attribuées au mouvement cubiste. Nous devons également souligner que cette même philosophie a été utilisée dans le monde de l'architecture dans toute l'Union soviétique immédiatement après la révolution de 1917. Comme on pouvait s'y attendre, le constructivisme a finalement évolué vers sa propre forme d'art unique.
Le mouvement De Stijl est parfois appelé néoplasticisme. L'utilisation de formes abstraites, de couleurs primaires et d'angles tend à définir ce style. Les artistes notables incluent Theo van Doseburg et Gerrit Rietveld. Contrairement au constructivisme, De Stijl travaille principalement sur des peintures et même des meubles. On dit que ce style a également influencé l'ensemble du mouvement Art déco de l'époque. Enfin, le suprématisme doit être mentionné. Le principe de base de ce style est l'accent mis sur la nature nue des formes géométriques. Un exemple notable est et Black Square (1915) du peintre Kazimir Malevich. L'utilisation de lignes saisissantes et un sens unique de l'équilibre sont deux aspects souvent associés au suprématisme.
Critiques potentielles du cubisme en tant que forme d'art
C'est un fait bien connu que Picasso a enduré sa juste part de critiques au fil des ans. Certains soutiennent que la période cubiste épousée par Picasso représentait très peu en termes de profondeur ou de dimension. Comme d'autres l'ont souligné, le mouvement cubiste était défini par la couleur et la forme, mais pas par la dimension. Certains ont estimé que cela entraverait quelque peu l'expérience globale du spectateur et conduirait à un sentiment de séparation.
D'autres ont estimé que certaines des formes utilisées par Picasso (et d'autres cubistes) étaient complètement inconnues de la psyché humaine. En d'autres termes, il n'y avait aucune base pour leur interprétation dans un univers tridimensionnel. Bien sûr, cela supposait que l'observateur serait incapable d'extrapoler entre l'abstrait et le réel. Certains pensent que le mouvement cubiste devrait être qualifié de «révolution» en raison du fait qu'il représentait un tel écart par rapport aux styles précédents et qu'il a influencé d'innombrables styles depuis sa naissance.
Les intentions générales du cubisme
Un aspect du cubisme qui lui a permis d'être quelque peu différent par rapport à d'autres styles artistiques est que ses facteurs de motivation exacts sont encore quelque peu difficiles à définir. Alors que des peintures telles que Juan Gris avaient tendance à afficher des formes résolument humaines, les œuvres ultérieures étaient entièrement abstraites dans leur nature. Pourtant, le principe du réductionnisme sert à peine à résumer l'intention générale du cubisme. S'il est vrai que Picasso a choisi d'analyser les images traditionnelles et de les recréer d'une manière tout à fait unique, on peut supposer que l'élément humain de la psychologie a joué tout autant un rôle qu'un point de vue réductionniste.
Il faut se demander si cette "révolution" par rapport aux styles victoriens précédents a été quelque peu influencée par la progression technologique observée au cours des deux premières décennies du 20e siècle. Qu'il s'agisse de l'émergence de la voiture moderne ou de la création d'armes de destruction massive pour la première fois dans l'histoire, il est plausible d'observer que le cubisme était un moyen pour l'artiste d'interpréter le monde à travers une toute nouvelle lentille de l'œil de l'esprit.
En fin de compte, la dissection de la perception humaine a certainement été réalisée grâce à l'utilisation du cubisme. Les tons et les angles employés ont laissé des impressions saisissantes sur d'innombrables artistes et il ne fait aucun doute que ces mêmes saveurs ont influencé l'art jusqu'à nos jours. Bien que l'argument selon lequel Pablo Picasso était le père du cubisme est valable, il n'était en aucun cas le seul individu à propulser sa présence dans le monde public. C'est un fait indéniable que les tons cubistes ont encore un impact sur l'art contemporain et sa présence saillante ne devrait pas disparaître de si tôt.
Picasso et le cubisme dans son ensemble
De nombreux articles scientifiques observent que Pablo Picasso n'était qu'une seule partie de l'ensemble du mouvement cubiste dans son ensemble. Cependant, cela reviendrait à croire que la mère d'un enfant a peu d'importance dans son développement après l'accouchement. Pablo Picasso a reçu à juste titre le titre de père du cubisme et c'est un rôle mérité. Alors que son travail continue de résonner au fil des décennies, l'impact global que le cubisme a eu sur notre société moderne est tout simplement indéniable.