Cela a chevauché sa transition vers l'utilisation de couleurs de palette brunes et rouges "plus chaudes" et son abandon de la représentation de thèmes déprimants vers une position plus neutre, qui ont tous deux défini sa période rose (vers 1904-1907). Le travail de Picasso au cours de ces années est encore généralement considéré comme proto-cubiste, car il comprenait des éléments et une géométrie semi-réalistes.
L'intérêt de Picasso pour les influences africaines (en particulier tribales africaines) est généralement considéré comme un bref flirt avec une forme subversive qui a formé un tremplin vers son engouement de toute une vie pour dépeindre sa propre vision des géométries cubistes surréalistes. L'œuvre de Picasso durant cette période est également connue pour avoir influencé l'artiste moderne new-yorkais Jean-Michel Basquiat.
Ses expériences avec des thèmes africains sont considérées comme terminées au début de 1910, en faveur de se concentrer sur le développement de ses expériences (alors) plus réussies de 1908 sur le «cubisme analytique» en un genre cohérent de peinture. Néanmoins, Picasso n'a jamais complètement abandonné son intérêt pour l'Afrique. On peut dire que certaines œuvres beaucoup plus tardives telles que le tableau Musician (1972) contiennent les mêmes influences.
Certes, l'influence durable de certains éléments de la période africaine sur Picasso se retrouve tout au long de l'œuvre qui lui a succédé. C'est particulièrement le cas dans l'approche de Picasso de la structure faciale et de la représentation du corps humain après 1909. L'une de ses peintures les plus appréciées, Les Demoiselles d'Avignon (1907) , a également émergé comme un chef-d'œuvre emblématique de son exploration des représentations tribales africaines de la forme humaine.
Fait important, cette période a également vu Picasso commencer à produire des portraits qui n'étaient pas directement tirés de modèles vivants. Cela constituerait une partie importante de son approche du cubisme et du surréalisme.
L'intérêt de Picasso pour l'art africain
L'intérêt bref mais intense de Picasso pour l'art africain découle sans doute de l'influence du colonialisme français sur la bourgeoisie européenne à partir de 1899. Après l'annexion française de plusieurs États d'Afrique subsaharienne (notamment le royaume du Dahomey en 1894), l'art africain traditionnel a commencé à filtrer dans les musées européens. En particulier, les masques, outils et ornements des peuples Fang et Dan se sont avérés populaires parmi le public européen.
À la fin de 1906, Picasso avait, de son propre aveu ultérieur, atteint les limites de ce qu'il pouvait faire avec le travail de portrait classique. Dans un effort pour perfectionner son style classique, il aurait repeint son portrait de 1906 de l'écrivain Gertrude Stein plus de quatre-vingts fois.
Alors qu'il cherchait l'inspiration au début de 1907, Picasso visita le musée d'ethnologie du Trocadéro lors d'un voyage avec son ami, l'artiste André Derain, après s'être inspiré d'une sculpture africaine que lui avait montrée Henri Matisse dans l'appartement parisien de Gertrude Stein.
C'est là qu'il a vu pour la première fois une représentation Fang d'un visage sculpté dans le bois. Picasso racontera plus tard qu'il a vu le lien entre l'art et la magie comme une forme de spiritualité lors de sa visite au Trocadéro pour la première fois de sa vie.
Au lieu de représenter des scènes réalistes d'un point de vue objectif, son nouveau travail dépeindrait les liens innés que l'humanité avait à un niveau primitif avec la nature. Picasso a affirmé que cela était présent dans l'art africain traditionnel et artisanal.
C'était une nouvelle approche de l'art à l'époque, car peu d'autres en Europe s'étaient inspirés d'influences anonymes de l'extérieur du continent non formées au style classique européen. Cependant, c'était une œuvre qui s'appuyait également en partie sur le travail des impressionnistes européens antérieurs tels que Monet et l'avant-garde européenne contemporaine de l'époque. Picasso visait à dépeindre le pouvoir, l'esprit et l'émotion à travers l'art, plutôt que de réaliser une recréation purement fidèle de la réalité.
Picasso a combiné ses deux approches pour métamorphoser les thèmes de l'art africain en quelque chose d'autre. Il les a utilisés, principalement, pour produire un nouveau style de portrait semi-réaliste. Entre 1907 et 1908, son travail est majoritairement centré sur la production de portraits abstraits de nus féminins (en particulier en groupe), de têtes déformées et de figures humanoïdes plus ambiguës.
À la fin de la période, Picasso a également commencé à appliquer sa nouvelle technique à des représentations de scènes banales telles que des représentations de natures mortes de fruits et des vues panoramiques d'usines, fusionnant davantage ses inspirations africaines avec le cubisme pour créer des paysages austères mais colorés. Il a également étendu cette approche à certaines sculptures, mais ses pièces réalisées dans ce médium entre 1906 et 1909 sont beaucoup moins courantes que la richesse des peintures à l'huile qui survivent.
Malgré cela, Tête de femme (Fernande) (1909) est parfois considérée comme l'une de ses plus importantes sculptures de la période africaine tardive, sinon l'une des sculptures les plus importantes de sa carrière. Les crêtes empilées et les lignes audacieuses autour de la tête représentaient une rupture frappante et radicale avec le buste néoclassique qui préoccupait l'Europe du XIXe siècle.
Une grande partie des œuvres d'art que Picasso a produites au cours de sa période africaine a été achetée par le marchand SI Shchukin et expédiée de France en Russie pour faire partie d'une énorme collection d'art impressionniste et post-impressionniste. Environ 80 pièces clés de cette période existent encore aujourd'hui, la plupart provenant de la collection Chtchoukine de 1914.
Certaines de ses œuvres africaines ont également brièvement scandalisé certaines parties de l'establishment artistique européen, mais pas au même degré que d'autres artistes d'avant-garde de l'époque. En particulier, sa déformation géométrique délibérée des visages féminins était considérée à l'époque par certains critiques comme un acte haineux contre l'esprit de ce que l'art devrait être.
Style d'époque africaine de Picasso
Le style de peinture et de dessin de Picasso de cette période peut être mieux décrit comme celui qui met fortement l'accent sur les lignes audacieuses, les couleurs plus chaudes entrecoupées de tons bleus, le mélange de l'arrière-plan et du premier plan (au point d'être indiscernables), le mouvement guindé dans les représentations de figures humaines, et des distorsions drastiques des membres et des visages. L'influence des masques faciaux peut être vue dans la représentation fréquente de Picasso de têtes relativement détaillées, placées au milieu de formes simples.
Les lignes et les ombres fortement gravées sont également des caractéristiques clés de la période africaine, mettant ses dessins de têtes masculines et féminines en relief, comme dans la célèbre peinture à l'huile Tête de femme endormie (1907). Un contraste entre une palette grise pour les bâtiments et un fond naturel plus coloré est particulièrement perceptible dans certaines peintures de la période africaine ultérieure, notamment dans l'usine de peinture à l'huile de Horta de Sant Joan (1909).
L'héritage de la période africaine de Picasso
La période africaine de Picasso n'est pas l'une de ses phases les plus discutées. Cela peut être attribué en partie à sa brièveté relative et à son ton expérimental. Picasso est également apparu inhabituellement hésitant à discuter beaucoup de ses influences africaines de son vivant, par rapport à son cubisme . Néanmoins, sa tentative de représentation d'une forme humaine disjointe qui conservait encore un sens de l'émotion et de la beauté a contribué, avec l'œuvre d'inspiration textile africaine d' Henri Matisse , à éloigner la pointe de la peinture européenne d'un mode néoclassique conventionnel et la sculpture loin de Revivalisme archaïque ibérique (l'intérêt de Picasso pour cela partageait certaines similitudes avec sa philosophie de l'art africain).
Les techniques qu'il développera de 1906 à 1909 seront réutilisées tout au long de sa carrière. Plus précisément, son utilisation de lignes dures, d'ombrages et de contours, de mélanges de motifs et de figures abstraites apparaîtrait à maintes reprises. Son chef-d'œuvre Guernica , en particulier, doit une part non négligeable à l'héritage de ses techniques africaines. Le post-impressionnisme de l'école parisienne s'appuiera également sur (ou copiera) son travail africain dans une large mesure.
En particulier, sa dernière sculpture en plâtre Buste de femme (Marie-Thérèse) (1931) peut être considérée comme une réinvention surréaliste de ses techniques antérieures d'inspiration africaine. Les choix de palette de Picasso pour la peinture dans les décennies qui ont suivi ont également dévié étonnamment peu des couleurs qu'il a utilisées pour la première fois pendant les périodes africaine et rose.
L'œuvre africaine de Picasso a également contribué à contribuer à un héritage social important, en particulier en Amérique. Une exposition de 1923 à New York présente l'œuvre de Picasso aux côtés de l'art africain qui l'a inspirée. Cette exposition a contribué à établir l'idée du travail africain comme une influence égale et valable pour les artistes européens et américains. Alain Locke soutiendra plus tard en 1925 que les artistes afro-américains devraient se tourner vers leur propre héritage pour s'inspirer à peu près de la même manière.
L'innovation pionnière de Picasso et de Matisse a ainsi contribué à établir une pierre angulaire importante de l'art moderne, à savoir qu'il doit transcender les frontières nationales et culturelles. Après 1910, Picasso deviendra également un insatiable collectionneur personnel d'art africain produit par les sociétés tribales, d'autant plus que sa richesse et sa renommée grandiront. Les observateurs ont noté que son studio était encore dominé par les masques africains Grebo et Nimba au moment de sa mort en 1973. Les avis varient. Mais Pablo Picasso (1881-1973) est généralement considéré comme l'un des plus grands peintres et sculpteurs surréalistes et cubistes européens radicaux du XXe siècle à avoir vécu, sinon le plus grand artiste moderne que l'Espagne ait jamais produit.
Son portefeuille prolifique comprenait des expérimentations dans tous les domaines, de la gravure à la céramique, bien que la peinture à l'huile ait été pendant la majeure partie de sa carrière son médium principal. Son vaste héritage dans la culture populaire et les beaux-arts, en particulier dans la géométrie abstraite et l'utilisation de la couleur, est vaste et incomparable à tous sauf quelques autres titans de l'art moderne.
Il a été identifié comme un enfant prodige et a été admis à l'âge de 14 ans à l'École des beaux-arts de Barcelone. Au cours des huit décennies suivantes, Picasso s'est constamment opposé aux conventions classiques qui avaient dominé l'art espagnol et européen du XIXe siècle pour développer son propre style post-impressionniste. Il réinventerait délibérément son approche de la forme d'art toutes les quelques années jusqu'à sa mort. Ses périodes bleues , cubistes et surréalistes du début du XXe siècle sont probablement ses plus connues, bien que son travail "naïf" et "politique" d'après 1945 soit toujours bien considéré. Son travail de tous types contenait fréquemment des nus féminins, des distorsions et des contorsions du visage et du cadre humains, et des interprétations cubistes de bâtiments et de pièces comme thèmes principaux.
La pièce la plus célèbre de toute sa carrière est probablement la peinture Guernica (1937), une œuvre anti-guerre aux techniques mixtes avec des thèmes à la fois classiques et abstraits illustrant la destruction humaine et la barbarie provoquées par les bombardements de la guerre civile espagnole. Les œuvres de Picasso restent extrêmement populaires dans le monde entier auprès des collectionneurs d'art sérieux, bien que le marché de Picasso soit dominé de manière disproportionnée par ses peintures. En 2015, une version de son interprétation des Femmes d'Alger (1955) s'est vendue pour un (alors) record de 179,4 millions de dollars aux enchères.
